Phỏng vấn: Nghệ sĩ Jane Lee
Nghệ sĩ người Singapore Jane Lee được biết đến với tác phẩm sáng tạo trong tranh. Cô liên tục biến phương tiện truyền thống trên đầu của nó, khám phá những khả năng mới trong việc trình bày các bức tranh như những tác phẩm nghệ thuật không bị giới hạn bởi giới hạn của khung vẽ.
Đối với việc cư trú gần đây tại Viện in Tyler (STPI) của Singapore, Jane đã nghỉ việc vẽ tranh để thử nghiệm với các phương tiện truyền thông khác, và đã tạo ra một tác phẩm mới sẽ làm khán giả ngạc nhiên và thích thú với các tác phẩm trước đây của cô.
Nghệ thuật Republik ngồi xuống cùng Jane để tìm hiểu thêm về tình yêu của cô dành cho hội họa, sự phát triển trong công việc của cô trong nhiều năm qua và chương trình của cô, ‘Freely Freely, tại STPI, sẽ diễn ra trong Tuần lễ nghệ thuật Singapore đầu năm nay.
Tình trạng, 2009
Công việc của bạn đã phát triển như thế nào trong những năm qua? Điều gì thay đổi công việc của bạn từ mảnh này sang mảnh khác?
Tôi không biết mình sẽ trở thành một nghệ sĩ toàn thời gian; Tôi đã muốn trở thành một nhà thiết kế thời trang. Vì vậy, dù sao, tôi bắt đầu với hội họa. Ý tưởng của bức tranh là nó là một vật thể hai chiều trên tường nhưng tôi dần dần thấy bức tranh của mình là tác phẩm sắp đặt. Đối với tôi, bức tường mà bức tranh được gắn vào là một phần của tác phẩm bởi vì bất cứ thứ gì xung quanh bức tranh đều tương tác với nó.
Điều gì làm cho bức tranh như một phương tiện hấp dẫn để làm việc trong?
Tôi thích màu sắc, và tôi thích cảm giác chơi với sơn. Ngay cả mùi sơn cũng hấp dẫn tôi. Khoảng 10 năm trước, khi tôi trở nên nghiêm túc về hội họa, tôi bắt đầu đặt câu hỏi về bản chất của hội họa là gì. Tôi tự hỏi mình có cách nào khác để vẽ tranh không, và xem xét quy trình và kỹ thuật truyền thống đã đi vào việc tạo ra một bức tranh. Đó là cách tôi bắt đầu chơi với phương tiện.
Chim lồng, 2015
Bạn có thể hướng dẫn chúng tôi qua quá trình tạo ra một tác phẩm nghệ thuật, từ ý tưởng đến thực hiện?
Tôi rất là một người thực hành. Khi tôi mới bắt đầu vẽ theo cách truyền thống, tôi đã lên kế hoạch rất nhiều và sẽ ngồi xuống và tạo ra các tác phẩm cho các tác phẩm của mình. Tất cả đã thay đổi vào năm 1999, khi tôi đến London để tìm hiểu thêm về nghệ thuật đương đại. Tôi tham dự một hội thảo nơi giảng viên ném sơn trên giấy trên sàn và hướng dẫn cả lớp chỉ chơi. Đó là một cái mở mắt cho tôi. Và đó đã trở thành những gì tôi muốn làm. Tôi đã nhận ra rằng vào thời điểm tôi lên kế hoạch cho mọi thứ, thực sự sẽ không có cuộc sống trong công việc. Tôi bắt đầu đi nhiều hơn với bản năng của mình, và để chơi.
Làm thế nào để bạn biết khi một tác phẩm nghệ thuật được hoàn thành?
Tôi cho rằng một tác phẩm nghệ thuật không bao giờ thực sự có thể được hoàn thành. Nếu một tác phẩm nói với tôi, nó đã được thực hiện. Đó là cảm xúc nhiều hơn trí tuệ. Tôi nói chuyện với bức tranh của tôi rất nhiều. Đó là một quá trình tương tác. Các bức tranh là một cách sống động mặc dù họ không nói chuyện. Họ có xu hướng nhất định. Có một số loại đàm phán đang diễn ra giữa nghệ sĩ và công việc trong quá trình làm nghệ thuật.
Đặt cho tôi VI miễn phí, 2015
Làm thế nào để bạn đi về việc lựa chọn các công cụ bạn sử dụng để làm cho tác phẩm nghệ thuật của bạn?
Theo truyền thống, các bức tranh được thực hiện bằng cách sử dụng bút vẽ, và thường sẽ không kể một câu chuyện. Tôi tìm thấy các công cụ từ cuộc sống hàng ngày của tôi, chẳng hạn như dụng cụ nhà bếp, để làm cho nghệ thuật của tôi.
Bạn có thể dẫn chúng tôi qua quá trình làm một tác phẩm nghệ thuật?
Chà, vào buổi sáng, khi tôi đến phòng thu của mình, tôi có thể cảm thấy khá vui và muốn sử dụng màu đỏ tươi, nhưng khi ngày trôi qua, và có lẽ tôi đang nghe các bài hát, thì tâm trạng của tôi có thể thay đổi, và rồi bức tranh của tôi có thể trở nên hơi tối Tôi không muốn ép buộc bất cứ điều gì xảy ra. Theo một cách nào đó, sự phát triển của một tác phẩm phụ thuộc vào cảm giác của tôi vào một ngày cụ thể.
Mất bao lâu để bạn hoàn thành một tác phẩm nghệ thuật?
Đối với các công trình lớn, có thể mất sáu tháng đến một năm. Đôi khi, tôi làm việc trên một mảnh và sau đó nửa chừng, không có dòng năng lượng, và vì vậy tôi sẽ đặt nó sang một bên trong thời gian hiện tại và trở lại với nó vào một ngày sau đó.
Cuộn VI, 2015
Bạn có loại bỏ bất kỳ công trình?
Nhiều.
Làm thế nào để bạn quyết định những gì để giữ?
Bạn chỉ cần biết.
Là quá trình làm cho tác phẩm nghệ thuật của bạn quan trọng hơn vẻ ngoài của sản phẩm cuối cùng?
Tôi sẽ nói nếu nó nằm ngoài 100%, quá trình này chiếm 80% và sản phẩm cuối cùng chiếm 20%.
Bạn có muốn mọi người tò mò về quá trình này?
Tất nhiên. Nó sẽ là tuyệt vời để nhìn xa hơn bề mặt và màu sắc. Tôi muốn làm cho họ hỏi nhiều câu hỏi hơn về hội họa, và về quá trình thực hiện một bức tranh.
100 khuôn mặt, 2014
Bạn có thể nói về thói quen hàng ngày của bạn như một nghệ sĩ?
Tôi bắt đầu ngày mới bằng yoga và thiền. Đó là điều quan trọng để giữ cho tôi hòa hợp hơn với chính mình. Sau đó tôi đến phòng thu của tôi và tôi bắt đầu làm việc. Cách tôi làm việc phụ thuộc vào thời hạn tôi có. Nếu tôi đang vội vàng và phải làm việc rất chăm chỉ, hãy nói cho một chương trình solo, sau đó tôi sẽ từ chối quay lại trường quay sau đó khá lâu. Điều đó nói rằng, tâm trí của tôi luôn suy nghĩ, nhìn xung quanh, tìm kiếm cảm hứng từ cuộc sống hàng ngày của tôi, cho dù đó là từ một buổi sáng đi bộ, hoặc trong một cuộc trò chuyện với ai đó.
Bạn có tìm kiếm cảm hứng từ việc đi đến bảo tàng hoặc tham dự các triển lãm nghệ sĩ khác không?
Trên thực tế, tôi tránh nhìn thấy quá nhiều tác phẩm của các nghệ sĩ khác. Nếu bạn thấy quá nhiều, đôi khi một số thứ tôi thích sẽ tiềm thức vào công việc của tôi. Cuộc sống hàng ngày là nguồn cảm hứng của tôi, cho dù đó là từ một buổi sáng đi bộ, hoặc trong một cuộc trò chuyện với ai đó. Những điều tôi nhìn thấy xung quanh tôi, những gì mọi người nói - đây là những điều nhỏ nhặt là nguồn cảm hứng của tôi.
Bạn đã có nghệ sĩ nào bạn tìm đến khi mới bắt đầu chưa?
Đó sẽ là Robert Ryman. Điều hấp dẫn ở anh ta là anh ta không phải là họa sĩ bằng cách đào tạo. Tôi nghĩ bởi vì anh ta không có gánh nặng để biết những gì một họa sĩ nên làm, anh ta có thể đến với các tác phẩm nghệ thuật mới mẻ của mình.
Thức tỉnh, 2015
Nhưng bạn có nghĩ rằng điều quan trọng là đầu tiên tìm hiểu những điều cơ bản?
Tôi nghĩ kiến thức nền tảng có thể phục vụ một họa sĩ giỏi trong việc cung cấp các bí quyết kỹ thuật, chẳng hạn như pha trộn màu sắc. Tuy nhiên, một khi những kỹ năng này được học, có lẽ chỉ khi chúng bị loại bỏ, một cái gì đó mới có thể được tạo ra.
Điều gì đến trước: tiêu đề của bức tranh của bạn hoặc chính bức tranh? Làm thế nào để các tiêu đề, chẳng hạn như 'Status' (2009) nằm trong bộ sưu tập vĩnh viễn của Bảo tàng Nghệ thuật Singapore hoặc '100 Khuôn mặt' (2014), được trưng bày tại triển lãm cá nhân của bạn tại Phòng trưng bày Sundaram Tagore, Singapore phối hợp với các bức tranh của bạn để giao tiếp với khán giả?
Với ‘Status, tôi đã đặt câu hỏi về tình trạng của bức tranh. Tôi đã được một trong những người phụ trách cho Singapore Biennale 2008 nói rằng tôi sẽ là họa sĩ duy nhất tham gia triển lãm. Cuộc trò chuyện đó ở lại với tôi. Tôi thấy ngạc nhiên khi có rất ít họa sĩ trong làng nghệ thuật khi hầu hết các họa sĩ có thể bắt đầu được đào tạo thành họa sĩ. Tôi nghĩ rằng có lẽ bức tranh như một phương tiện đã chết và không còn chỗ để chơi. Các tác phẩm nghệ thuật là một khám phá về tình trạng của bức tranh trong bối cảnh nghệ thuật đương đại khu vực.
Với Fac 100 Faces, tôi nhớ mình đã nghĩ rằng mọi người rất muốn thể hiện những bức tranh lớn rất nặng. Tôi quyết định chia công việc của mình thành 100 mảnh nhỏ hơn và ít nặng hơn có thể ghép lại thành một bức tranh lớn. Ngoài ra, nó cũng là một bình luận về cách một bức tranh có thể có nhiều khuôn mặt, hoặc có thể có nhiều cách để tạo ra một bức tranh, và hơn nữa mọi người có những nhân vật khác nhau xuất hiện trong công ty của những người khác nhau.
Bạn có chia sẻ những câu chuyện về việc tạo ra những tác phẩm nghệ thuật này với khán giả nói chung không?
Thông thường, tôi sẽ không chia sẻ, mặc dù nếu mọi người hỏi, tôi sẽ rất vui. Tôi không muốn áp đặt quá nhiều cho người xem và chỉ ra những gì họ thấy trong các tác phẩm nghệ thuật.
Chỉ một khoảnh khắc, 2015
Hãy để chúng tôi nói về các tác phẩm mới của bạn tại STPI, không tập trung vào tranh vẽ. Nó một hướng đi mới cho bạn. Đây có phải là một quyết định có ý thức?
Tôi đã muốn ra khỏi bức tranh một thời gian, nhưng không tìm thấy lý do nào để làm như vậy. Tôi nghĩ rằng đây sẽ là một cơ hội tốt để khám phá mọi thứ trừ vẽ tranh, và tận dụng tốt các cơ sở tại STPI. Đó là thời điểm tốt mà tôi đã được mời vào thời điểm này.
Tại sao tiêu đề ‘Tự do, Tự do?
Tôi muốn một tiêu đề tích cực cho chương trình. Cách tiếp cận của tôi để làm cho nghệ thuật của tôi là một hạnh phúc. Bị mắc kẹt và được tự do là hai chủ đề trong triển lãm. Chẳng hạn, với chuỗi Coiling, quá trình cuộn giấy có thể mang lại cảm giác bị mắc kẹt. Các chân trong cuộn dây cho một biểu hiện trực quan mạnh mẽ hơn của bị mắc kẹt. Trên một số tác phẩm, có những con chim ngồi trên ghim, có thể được coi là biểu tượng của sự tự do.
Ngoài các tác phẩm trên giấy, bạn cũng đã làm việc với acrylic trong chương trình. Làm thế nào mà đến được?
Nhóm nghiên cứu tại STPI rất cởi mở với các ý tưởng. Tôi quyết định thử nghiệm tự do, và đã bao gồm video và hoạt hình, cũng như giấy kết hợp với các phương tiện khác, chẳng hạn như giấy có âm thanh và giấy với acrylic.
Làm thế nào mà nhóm tại STPI đã thúc đẩy thực hành nghệ thuật của bạn?
Trong phần lớn sự nghiệp của tôi, tôi đã làm việc một mình trong studio của mình. Thông thường, khi tôi có những ý tưởng điên rồ nhỏ này, nếu chỉ có một mình tôi, điều đó sẽ khó khăn và có thể mất nhiều thời gian hơn và tôi không thể làm việc với chúng. Làm việc ở đây tại STPI đã đưa tôi ra khỏi vùng thoải mái của tôi. Đội ngũ những người có khả năng ở đây đã giúp tôi động não và nhìn thấy các khả năng, và ý tưởng của tôi có thể được hiện thực hóa trong một thời gian rất ngắn.
Bạn có nghĩ rằng sau chương trình này, bạn sẽ tiếp cận thực hành của bạn khác nhau?
Tôi là một họa sĩ trung tâm, và vẫn còn chỗ để chơi với sơn. Tôi không chắc chắn về loại tranh này và nó có giống với những gì tôi đã làm không, tôi không chắc chắn. Những gì tôi đã khám phá ở đây tại STPI chắc chắn sẽ có một số tác động, nhưng tôi thực sự không thể trả lời vào thời điểm này những gì tôi sẽ làm. Tôi thích ý tưởng không biết. Nếu tôi đã biết, tôi sẽ không làm điều đó. Tôi muốn kích thích và làm hài lòng người xem nhưng để làm được điều đó, tôi phải làm điều đó cho chính mình trước.
Tín dụng câu chuyện
Văn bản của Nadya Vương
Bài viết này ban đầu được xuất bản trong Art Republik.
Hình ảnh lịch sự của STPI
